Η δημιουργία του AiNa αποτελεί έναν από τους πρώτους πειραματισμούς της καλλιτέχνη Σουζάνας Φιαλά να δημιουργήσει μια ζωντανή προσομοίωση στο είδος της παράστασης και της εγκατάστασης, βασιζόμενη σε εικόνες από ένα προσαρμοσμένο μοντέλο Τεχνητής Νοημοσύνης (AI) που η ίδια έχει εκπαιδεύσει. Το αποτέλεσμα είναι μια σύνθεση από παράλογα, άτοπα και σουρεαλιστικά φανταστικά επεισόδια αποσπασμένα από τον καμβά της καθημερινής ζωής.

 

Η καλλιτέχνης Σουζάνα Φιαλά θολώνει τις διαχωριστικές γραμμές μεταξύ ψηφιακού και φυσικού κόσμου. Είναι δημιουργός έργων περφόρμανς, καλλιτέχνης τεχνητής νοημοσύνης, επιμελήτρια της πλατφόρμας makersplace.com, ενώ από το 2021 κατέχει πρωταγωνιστικό ρόλο στο είδος της ψηφιακής τέχνης PerformanceNFT στο Web3. Στα πιο πρόσφατα έργα της, καταπιάνεται με καίρια ζητήματα της εποχής μας, όπως είναι η ψηφιακή κουλτούρα, οι αναδυόμενες τεχνολογίες, τα πρωτόκολλα ανοιχτού κώδικα και οι συναρπαστικές νέες σφαίρες της Τεχνητής Νοημοσύνης, των NFT και του metaverse. Η καλλιτέχνης διευρύνει διαρκώς τα όρια της περφόρμανς στον ψηφιακό καλλιτεχνικό χώρο, με το έργο της να έχει αναγνωριστεί και παρουσιαστεί διεθνώς. Τα πρότζεκτ της έχουν λάβει χρηματοδότηση από το Υφυπουργείο Πολιτισμού της Κύπρου, ενώ το καλλιτεχνικό της έργο κοσμεί την Κρατική Πινακοθήκη Σύγχρονης Τέχνης και έχει συλλεχθεί από σημαντικούς Συλλέκτες Ψηφιακής Τέχνης. Από το 2023, η Σουζάνα αποτελεί εξέχουσα μορφή στον χώρο της δημιουργίας βίντεο με τη χρήση τεχνητής νοημοσύνης. Εκπροσωπείται από τη FellowshipAI, μία πλατφόρμα που λειτουργεί ως επίκεντρο του εικαστικού πειραματισμού με τη χρήση Τεχνητής Νοημοσύνης (AI).

 

Δημιουργικοί συντελεστές:

Ιδέα, Δημιουργία, Καλλιτεχνική Διεύθυνση: ΣΟΥΖΑΝΑ ΦΙΑΛΑ

Συν-δημιουργία, σενάριο: ΠΑΥΛΟΣ ΒΡΥΩΝΙΔΗΣ

Χορογραφική Διεύθυνση: ΣΟΥΖΑΝΑ ΦΙΑΛΑ σε συνεργασία με τις performers

Performers: ΜΠΕΛΙΝΤΑ ΠΑΠΑΒΑΣΙΛΙΟΥ, JULIA BRENDLE, ΚΑΤΕΡΙΝΑ ΤΥΛΛΙΡΙΔΟΥ

Δημιουργική Σύμβουλος: ΑΝΤΡΙΑ ΜΗΧΑΗΛΙΔΟΥ

Σχεδιασμός Φωτiσμού: ΒΑΣΙΛΗΣ ΠΕΤΕΙΝΑΡΗΣ

Σχεδιασμός Μουσικής: KALAQS, FRANK MANZANO, ΣΟΥΖΑΝΑ ΦΙΑΛΑ

Live Band: MUSHA

Σκηνικά: ΓΙΩΡΓΟΣ ΜΑΡΑΘΕΥΤΗΣ, ΣΤΕΦΑΝΗ ΜΟΥΡΟΥΖΗ

Video: ΠΑΥΛΟΣ ΒΡΥΩΝΙΔΗΣ, ΣΟΥΖΑΝΑ ΦΙΑΛΑ

Φωτογραφία, trailer: ΠΑΥΛΟΣ ΒΡΥΩΝΙΔΗΣ

Make-up: ΜΕΛΑΝΗ ΧΡΙΣΤΟΥ

Βοηθός Χορογράφου: ΜΠΕΛΙΝΤΑ ΠΑΠΑΒΑΣΙΛΙΟΥ

Βοηθός σκηνής: ΛΟΡΝΑ ΛΑΔΟΜΜΑΤΟΥ

Εικόνες Έκθεσης: προσαρμοσμένο μοντέλο Τεχνιτής Νοημοσύνης (AI) - ΣΟΥΖΑΝΑ ΦΙΑΛΑ

 

Διάρκεια: 50’

​Παράσταση Επί σκηνής ~ Περιορισμένες θέσεις (70)

 

info ↪ aina-ai.carrd.co

Website: suzanaphialas.carrd.co

 

ΟΙ ΕΙΚΟΝΕΣ ΕΚΘΕΣΗΣ ΠΕΡΙΕΧΟΥΝ ΓΥΜΜΟ  

ΠΡΟΕΙΔΟΠΟΙΗΣΗ  𝗦𝗧𝗥𝗢𝗕𝗘 𝗟𝗜𝗚𝗛𝗧𝗜𝗡𝗚

 

Ευχαριστίες: 

Υποστηρικτής: Δήμος Λεμεσού

Ευχαριστούμε τους: Zalou Thrift Store, Γιαννής Ιωάννου

To έργο The End - part 2 ωθεί τον θεατή στα άκρα. Μέσα από έναν εντυπωσιακό συνδυασμό κίνησης, ηλεκτρονικής μουσικής, φωτισμού και βίντεο, η περφόρμανς εξερευνά έναν κόσμο μεταβλητών σχέσεων. Πώς ερμηνεύονται στο παρόν στάδιο οι έννοιες της συλλογικότητας, της σύνδεσης και της αλληλεγγύης; Τι μας φέρνει πιο κοντά; Πώς μπορεί η αμοιβαία διαφάνεια να ενδυναμώσει τη μεταξύ μας διάδραση; 

 

Οι υπερφυσικές περφόρμανς του χορογράφου Arno Schuitemaker εντυπωσιάζουν το κοινό χάρη στις φόρμες που επινοεί, συνδυάζοντας θέματα στα οποία συγκλίνουν το οικείο και το οικουμενικό. Με τρόπο εξίσου συναρπαστικό και ανεπιτήδευτο, το έργο The End - part 2 αναιρεί τα όρια ανάμεσα στο οράν και το οράσθαι. Η περφόρμανς αποτελεί μια συλλογή σύντομων ιστοριών, στις οποίες συνυφαίνονται ενέργεια, ευαισθησία, ακινησία, αλλοίωση, λαχτάρα για αντιπαράθεση. Οι τρεις περφόρμερ εκθέτουν διαφορετικές πτυχές του εαυτού τους, αίροντας τα σωματικά όρια: αν και μεταξύ τους αντίθετοι, οι ατομικοί μας χώροι μπορούν να μοιραστούν. 

 
Το έργο The End - part 2 είναι μία παραγωγή της SHARP/ArnoSchuitemaker σε συμπαραγωγή με τη La Place de la Danse - CDCN Toulouse/Occitanie στο πλαίσιο του προγράμματος «accueil studio», της CCN de Caen & Normandie στο πλαίσιο του προγράμματος «accueil studio» και του οργανισμού Montpellier Danse στο πλαίσιο του προγράμματος φιλοξενίας καλλιτεχνών της Agora Cité Internationale de la Danse. Με τη στήριξη του Performing Arts Fund NL, Amsterdam Fund for the Arts, Ammodo, και του Fonds 21.  

 

Στο σύγχρονο, ρηξικέλευθο χορογραφικό του έργο, ο Arno Schuitemaker διευρύνει τα όρια ανάμεσα στον χορό, την περφόρμανς, τις εικαστικές τέχνες και την κλαμπ κουλτούρα, κάτι που τον καθιστά έναν από τους σημαντικότερους δημιουργούς της εποχής μας. Αναφερόμενο στο προηγούμενο έργο του με τίτλο 30 appearances out of darkness, που έκανε πρεμιέρα στο Holland Festival, το περιοδικό Scènes χαρακτήρισε την παράσταση ως ένα «έργο που δεν πρέπει κανείς να χάσει», ενώ το The way you sound tonight απέσπασε το Βραβείο Swan για την πιο εντυπωσιακή χορογραφική παραγωγή της σεζόν. Παραστάσεις του έχουν ανέβει σε κορυφαίες σκηνές ανά τον κόσμο, σε πάνω από 30 χώρες. 

​

Ιδέα, σύλληψη, δημιουργία: Arno Schuitemaker  

Συνδημιουργία και ερμηνεία: Ivan Ugrin, Mark Christoph Klee, Angelo Petracca  

Δραματουργία: Guy Cools  

Βίντεο: Gilbert Nouno  

Σχεδιασμός φωτισμού: Jean Kalman  

Μουσική: Aart Strootman  

Σκηνογραφία: Jean Kalman, Arno Schuitemaker  

Κοστούμια: Victor Klijsen  

Τεχνικός παραγωγός: Maarten van Burken  

Τεχνικός βίντεο: Daan Hazendonk  

Τεχνικοί: Sander Schaart, Ruben Lijbers  

Εξωτερικός σύμβουλος: Miguel A Melgares  

Εικόνα προώθησης: Lonneke van de Palen 

 
www.arnoschuitemaker.com  

@arnoschuitemaker  

Τολμάμε άραγε να έρθουμε αντιμέτωποι με το αναπόφευκτο; Με τη συνειδητοποίηση ότι αργά ή γρήγορα θα καταλήξουμε εκεί όπου καταλήγουν όλα τα αγαπημένα μας πρόσωπα; Με το έργο Carcass, η HIMHERANDIT Productions καταπιάνεται με το τέλος του κύκλου της ζωής σε μία παράσταση συναρπαστική, συνάμα βάναυση και εύθραυστη που δίνει τόπο σε δόσεις από εκκεντρικό χιούμορ. Μπροστά από έναν πελώριο καθρέφτη, έξι περφόρμερ και τα σώματά τους βρίσκουν απάντηση σε ένα κρίσιμο ερώτημα για τη ζωή, που δεν περιγράφεται με λέξεις. 

 

Το Carcass δεν αφορά το τι μας περιμένει μετά τον θάνατο. Ούτε πρόκειται για ένα έργο για την πίστη ή τη θρησκεία. Στον δυτικό πολιτισμό μας, τείνουμε να κρατάμε τον θάνατο σε απόσταση. Το έργο ρίχνει φως στο πώς αποδεχόμαστε ότι μια μέρα η ζωή τελειώνει. Στο πώς παραμερίζουμε τους φόβους μας και θυμόμαστε να ζήσουμε τη ζωή ενόσω είμαστε ακόμη εδώ. Παρά το ζοφερό και βαθιά συγκινητικό θέμα της, η HIMHERANDIT Productions καταφέρνει να δημιουργήσει μία εμπειρία γεμάτη ζωή. 

 

Το πεδίο καλλιτεχνικής έκφρασης της HIMHERANDIT κυμαίνεται μεταξύ του είδους της τέχνης της περφόρμανς, του σωματικού θεάτρου, του βιωματικού θεάτρου, του χορού και της εγκατάστασης βίντεο σε μεγάλη κλίμακα. Η ομάδα χορού αναπτύσσει έργα που ωθούν, προκαλούν και προσκαλούν το κοινό σε διάλογο, ενώ καταπιάνεται συχνά με δυσπροσέγγιστα κοινωνικά ζητήματα. Κατά τη διάρκεια της τελευταίας δεκαετίας, η ομάδα στηρίζει την ανάπτυξη της κουήρ τέχνης στη Δανία με επαγγελματικές παραγωγές και πρότζεκτ κοινοτικής συμμετοχής, με φεστιβάλ (The GENDER HOUSE Queer Art Festivals), και πιο πρόσφατα με τη δημιουργία του Q&A Studios - Queer Art Studios Aarhus, στο Άρχους της Δανίας, όπου βρίσκεται και η έδρα της εταιρείας, καθώς και το κέντρο φιλοξενίας καλλιτεχνών που στηρίζει κουήρ δημιουργούς από την τοπική, εθνική και διεθνή κοινότητα. 

​

Χορογραφία & καλλιτεχνική διεύθυνση: Ανδρέας Κωνσταντίνου  

Περφόρμερ: Άρης Παπαδόπουλος, Theo Marion-Wuillemin, Elise Ludinard, Paola Drera, Heli Pippingsköld, William Cardoso  

Σχεδιασμός σκηνικών: Jeppe Cohrt, Ανδρέας Κωνσταντίνου 
Βίντεο: Christoffer Brekne 
Τεχνική διεύθυνση: Jeppe Cohrt  

Σχεδιασμός ήχου: Ανδρέας Κωνσταντίνου 
Δραματουργία: Siri Knutsen 
Σχεδιασμός φωτισμού: Christoffer Brekne 
Παραγωγή: Art & About, Sigrid Aakvik & Signe Sandvej 

Σε συμπαραγωγή με: Bora Bora - dans og visuelt teater  

Χρηματοδότηση και υποστήριξη: Statens Kunstfond, Aarhus Kommune, Wilhelm Hansen Fonden  

​

https://www.himherandit.com/ 

https://www.facebook.com/search/top?q=himherandit%20productions 

https://www.instagram.com/himherandit/?hl=da 

Αν κάτι έχει βάναυσα εκδιωχθεί από τη σύγχρονη εποχή της τεχνολογίας και της πληροφορίας, αυτό είναι η σιωπή. H πανταχού παρούσα καταιγιστική ανθρώπινη δραστηριότητα προκαλεί ακατάπαυστη φασαρία. Και μαζί με τη σιωπή φαίνεται να χάνεται η δυνατότητα ακρόασης. Τι είναι, όμως, η σιωπή; Τι διαστάσεις μπορεί να λάβει; 

 

Στο τελευταίο τους έργο, οι RootlessRoot δημιουργούν έναν κόσμο αφιερωμένο στη σιωπή και στη δύναμή της. Εξερευνούν ένα άγνωστο σύμπαν όπου η σιωπή επικοινωνεί με όσους την αφουγκράζονται, με όσους συνδιαλέγονται μαζί της και αξιοποιούν αυτό που τους προσφέρει. Η σιωπή αντιμετωπίζεται ως μια απόλυτη συνθήκη που φέρνει τους συμμετέχοντες σε αυτήν αντιμέτωπους με το μυστήριο του εαυτού τους αλλά και του κόσμου. Άλλοτε ως τόπος στοχασμού, κριτικής σκέψης και ανάμνησης και άλλοτε ως τόπος πίστης, προσευχής και συνάντησης με το θείο, η σιωπή γίνεται ο χώρος για την κίνηση πριν από την κίνηση πριν από την πράξη. Αντλώντας υλικό από τη φιλοσοφία, τη θεολογία, την ποίηση, τη λογοτεχνία και τη ζωγραφική, η ομάδα ερευνά τη συνθήκη της σιωπής ως μέσο αυτογνωσίας και βιώματος του κόσμου. Η κινητική έρευνα, μέσα από αυτοσχεδιασμούς και ασκήσεις, θα προσδιορίσει το χορογραφικό υλικό και τα θεατρικά στοιχεία της παράστασης. 

 

Οι RootlessRoot ιδρύθηκαν από τη Λίντα Καπετανέα και τον Jozef Fruček το 2006 στην Αθήνα. Από τότε έχουν δημιουργήσει 27 έργα (σόλο, κινητικές εγκαταστάσεις, μεσαίας και μεγάλης κλίμακας παραστάσεις), τα οποία έχουν παρουσιάσει σε περισσότερες από 30 χώρες στον κόσμο, σε διάφορες σκηνές και φεστιβάλ. Έχουν συνεργαστεί με τον Akram Khan στο χορευτικό του σόλο DESH, καθώς και με τη Staadsteater Kassel Dance Company, τους DOT504, την Helsinki Dance Company και με πολλές άλλες ομάδες και δημιουργούς. Στην Ελλάδα έχουν συνεργαστεί με τη Στέγη του Ιδρύματος Ωνάση, το Φεστιβάλ Αθηνών και Επιδαύρου και το Μπαλέτο της Εθνικής Λυρικής Σκηνής. Είναι ευρέως γνωστοί για την πρακτική τους, Fighting Monkey, η οποία επικεντρώνεται στην ανθρώπινη κίνηση/ανάπτυξη και τη βιώσιμη γήρανση, και την οποία διδάσκουν σε σχολές ανά τον κόσμο. 

 

Η Λίντα Καπετανέα, Καλλιτεχνική Διευθύντρια του Διεθνούς Φεστιβάλ Χορού Καλαμάτας, είναι χορεύτρια, χορογράφος και δασκάλα σύγχρονου χορού με διεθνή εμπειρία και δραστηριότητα. Απόφοιτος της Κρατικής Σχολής Ορχηστικής Τέχνης, συνέχισε την εκπαίδευσή της με μεταπτυχιακές σπουδές στη Νέα Υόρκη ως υπότροφος του ΙΚΥ. Το 2002, το Υπουργείο Πολιτισμού τής απένειμε βραβείο καλύτερης ερμηνείας. Από το 2002 έως το 2006, ήταν μέλος της ομάδας Ultima Vez του Wim Vandekeybus, συμμετέχοντας στις παραστάσεις Blush, Sonic Boom και Puur και στις ταινίες χορού Blush και Here After. Από το 2006 έως το 2012, υπήρξε μέλος του διδακτικού προσωπικού της Κρατικής Σχολής Ορχηστικής Τέχνης. Το 2007, ίδρυσε μαζί με τον Jozef Fruček την ομάδα χορού RootlessRoot, με την οποία έχουν παρουσιάσει 26 έργα σε περισσότερες από 30 χώρες (σε Ευρώπη, Ασία και Βόρεια Αμερική), αποσπώντας διεθνείς διακρίσεις. Μέσω της RootlessRoot, η Λίντα Καπετανέα δημιουργεί χορογραφίες και ερευνά την ανθρώπινη κίνηση. Αποτέλεσμα της έρευνάς της, σε συνεργασία με τον Fruček, είναι η ανάπτυξη της μεθόδου Fighting Monkey Practice, την οποία διδάσκουν σε διακεκριμένες σχολές στην Ελλάδα και το εξωτερικό. 

 

Ο Jozef Fruček [Γιόζεφ Φρούτσεκ] έχει ασχοληθεί επαγγελματικά με τον αθλητισμό, τις πολεμικές τέχνες και το θέατρο και έχει αφιερώσει την επαγγελματική ζωή του στην έρευνα της κίνησης που προάγει την ανθρώπινη ανάπτυξη και την υγιή γήρανση. Σπούδασε στην Ακαδημία Μουσικής και Θεατρικών Τεχνών της Μπρατισλάβα και συνέχισε με διδακτορικές σπουδές με θέμα την κίνηση και τη φωνή. Έχει ασχοληθεί με τη λειτουργική επικοινωνία, τη φωνή και την αναπνοή στη δημόσια ομιλία, στις παραστατικές τέχνες και στην ψυχική υγεία. Το 2006 ίδρυσε με τη Λίντα Καπετανέα την ομάδα RootlessRoot και έκτοτε εφαρμόζουν μαζί τη μέθοδό τους Fighting Monkey Practice, που προσεγγίζει την ανθρώπινη κίνηση μέσα από την ανάλυση κατηγοριών και πεδίων κίνησης. Τα τελευταία χρόνια διδάσκει και δίνει διαλέξεις σε πανεπιστήμια και οργανισμούς τεχνών στην Ευρώπη, τις ΗΠΑ, την Ασία και την Αυστραλία. 

​

Σύλληψη, χορογραφία: Λίντα Καπετανέα, Jozef Fruček 
Μουσική σύνθεση: Βασίλης Μαντζούκης 
Σκηνικά, κοστούμια: Πάρις Μέξης 
Βοηθός σκηνογράφου & ενδυματολόγου: Αλέγια Παπαγεωργίου 
Σχεδιασμός φωτισμού: Περικλής Μαθιέλλης 
Σχεδιασμός ήχου, ηχοληψία: Χρήστος Παραπαγκίδης 
Επιστημονικός συνεργάτης: Κώστας Βραχνός 

Σκηνικά αντικείμενα: Ηλιάνα Σκουλάκη  
Επιμέλεια κειμένων: Ιωάννα Νασιοπούλου 

Φωτογραφίες παράστασης: Ελίνα Γιουναλή  
Ερμηνεύουν: Aλέξανδρος Βαρδαξόγλου, Γιώργος Δερέσκος, Λίντα Καπετανέα, Αναστάσης Καραχανίδης, Μαρία Μπρέγιαννη, Χρήστος Στρινόπουλος 
Εκτέλεση παραγωγής: POLYPLANITY Productions / Γιολάντα Μαρκοπούλου, Βίκυ Στρατάκη 
Βοηθός εκτέλεσης παραγωγής: Νίκος Χαραλαμπίδης 
Συμπαραγωγή: Φεστιβάλ Αθηνών Επιδαύρου, RootlessRoot 
Mε την οικονομική υποστήριξη του Υπουργείο Πολιτισμού και Αθλητισμού 

 

Στην παράσταση γίνεται χρήση στροβοσκοπικού φωτισμού διάρκειας 4’. 

 

https://rootlessroot.com/ 

https://www.instagram.com/rootlessroot_rtr/ 

Το έργο AMAE διερευνά και αμφισβητεί την ανάγκη αλληλεξάρτησης στις ανθρώπινες σχέσεις. Την επιθυμία να αγαπιέσαι ανενεργά, αναζητώντας την ικανοποίηση του άλλου. Την επιθυμία να περιβάλλεται και να αισθάνεται κανείς ένα με τον άλλον, σε μία προσπάθεια αποφυγής αντιπαραθέσεων με την εξωτερική αντικειμενική πραγματικότητα. Από μία άποψη, αυτό μπορεί να εκληφθεί ως μία θερμή, ανθρώπινη συμπεριφορά: το να βρίσκεται κανείς σε αρμονία με τους άλλους, να μπορεί να στηριχθεί επάνω τους. Από μία άλλη άποψη, μπορεί να ερμηνεύεται ως μία προσπάθεια ενθάρρυνσης της αυταρέσκειας, της εξάρτησης, του ελέγχου. Πόσο μακριά μπορεί να φτάσει αυτή η ανάγκη μας; Που να μας οδηγεί από το να αγαπάμε στο να πληγώνουμε; Από το να προσφέρουμε φροντίδα, να γεμίζουμε εμμονές; Από το να υποστηρίζουμε, να ασκούμε έλεγχο; 

 

Οι Eliana Stragapede και Borna Babić, απόφοιτοι της Σχολής Codarts, είναι περφόρμερ, χορογράφοι και εκπαιδευτές με έδρα τις Βρυξέλλες. Ολοκληρώνοντας τις σπουδές τους, ξεκίνησαν να συνεργάζονται επαγγελματικά με τη Marina Mascarell και τους Club Guy & Roni, και έκτοτε έχουν συμμετάσχει σε έργα κορυφαίων χορογράφων και ομάδων χορού. Μετά τη συνεργασία της με την ομάδα χορού Tanzmainz στη Γερμανία, η Eliana έγινε μέλος της χοροθεατρικής ομάδας Peeping Tom το 2020. Στο μεταξύ, συνέχισε να συνεργάζεται με τους Club Guy & Roni στην Ολλανδία. Ο Borna είναι συνεργάτης του Olivier deSagazan και μέλος της ομάδας χορού Ultima Vez / Wim Vandekeybus από το 2019. Το έργο AMAE τιμήθηκε με το πρώτο βραβείο στα Βραβεία Χορογραφίας του Nederlands Dans Theater μαζί με την ομάδα χορού Holstebro Dansekompagni. Επιπλέον, στον Διεθνή Διαγωνισμό Χορογραφίας του Ρότερνταμ το 2023 απέσπασε το βραβείο Partner Award - Codarts & Dansateliers. 

​

Ιδέα, χορογραφία, ερμηνεία: Eliana Stragapede & Borna Babić  

Δραματουργία: Margherita Scalise 

Μουσική σύνθεση: Nenad Kovačić  

Φωνή: Teresa Campos 

Πρωτότυπη μουσική: Nicholas Britell  

Μοντάζ ήχου: Giuseppe Santoro  

Κοστούμια: Nina Lopez-Le Galliard  

Σχεδιασμός φωτισμού: Benjamin Verbrugge 

​

https://www.instagram.com/elianastragapede/ 

https://www.instagram.com/borna_b/ 

Στο έργο Save the last dance for me, ο Alessandro Sciarroni συνεργάζεται με τους χορευτές Gianmaria Borzillo και Giovanfrancesco Giannini, ενορχηστρώνοντας τα βήματα του μπολονέζικου χορού «Polka Chinata». Πρόκειται για έναν ερωτικό χορό ντουέτου που παραδοσιακά χορεύεται αποκλειστικά από άντρες και έχει τις ρίζες του στις απαρχές του 20ού αιώνα: σωματικά απαιτητικός, σχεδόν ακροβατικός, θέλει τους χορευτές να στροβιλίζονται παραμένοντας αγκαλιασμένοι και λυγίζοντας τα γόνατα σχεδόν μέχρι το έδαφος. 

 

Το έργο δημιουργήθηκε σε συνεργασία με τον Giancarlo Stagni, χορευτή που ειδικεύεται στο συγκεκριμένο είδος (Filuzziani), ο οποίος κατάφερε να αναβιώσει την αρχαία αυτή παράδοση χάρη στην ανακάλυψη και μελέτη αρχειακού οπτικοακουστικού υλικού της δεκαετίας του ’60. Όταν ο Sciarroni ανακάλυψε τον χορό αυτό τον Δεκέμβριο του 2018, συνειδητοποίησε ότι μόνο πέντε άτομα σε ολόκληρη την Ιταλία εξασκούσαν τις χορευτικές αυτές φιγούρες. Κατά συνέπεια, το έργο απαρτίζεται από μια περφόρμανς που εκτελείται από δύο χορευτές, καθώς και από μια σειρά εργαστηρίων με στόχο τη διάδοση και αναβίωση της δημοφιλούς αυτής παράδοσης που βρίσκεται σήμερα υπό εξαφάνιση. 

 

Ο Alessandro Sciarroni είναι Ιταλός καλλιτέχνης με ενεργό δράση στις παραστατικές τέχνες και πολυετή εμπειρία στην έρευνα εικαστικών και θεατρικών τεχνών. Έργα του έχουν παρουσιαστεί σε φεστιβάλ σύγχρονου χορού και θεάτρου, μουσεία, γκαλερί και εναλλακτικούς χώρους, στα οποία εμπλέκονται συχνά καλλιτέχνες που προέρχονται από διαφορετικά πεδία. Το 2019 τιμήθηκε με τον Χρυσό Λέοντα - Βραβείο Συνολικής Προσφοράς στον Χορό που του απένειμε η Μπιενάλε Βενετίας (Golden Lion - Lifetime Achievement in Dance by the Venice Biennial). Η δουλειά του αφορμάται από ένα εννοιολογικό εκμαγείο κατά τον τρόπο του Marcel Duchamp, ενώ αξιοποιεί ένα θεατρικό πλαίσιο στο οποίο εφαρμόζει και συνδυάζει τεχνικές και εμπειρίες από τον χορό, το τσίρκο και τα αθλήματα. Πέραν από τον αυστηρό, συνεκτικό και σαφή χαρακτήρα που εμποτίζει συνήθως τις δημιουργίες του, το έργο του αποκαλύπτει εμμονές, φόβους, ευθραυστότητες της περφόρμανς μέσα από την επανάληψη μιας συγκεκριμένης πρακτικής που παίζει με τα όρια της φυσικής αντοχής των περφόρμερ. Το καλλιτεχνικό του βλέμμα εστιάζει σε μια άλλη διάσταση του χρόνου, και στην ενσυναισθητική σχέση μεταξύ κοινού και περφόρμερ. Τα έργα του έχουν παρουσιαστεί παγκοσμίως: ανά την Ευρώπη, τη Νότια και Βόρεια Αμερική, τη Μέση Ανατολή και την Ασία. Έχει λάβει μέρος σε πληθώρα κορυφαίων διοργανώσεων: Μπιενάλε Χορού Λυών, Kunstenfestivaldesarts - Βρυξέλλες, Impulstanz Festival - Βιέννη, Μπιενάλε Βενετίας, Festival d’Automne, Festival Séquence Danse at 104 - Παρίσι, Centrale Fies, Abu Dhabi Art Fair, Crossing The Line in New York, Hong Kong Art Festival, Juli Dans Festival - Άμστερνταμ, TBA Festival Portland, Festival Panorama Rio de Janeiro. Το έργο του έχει, επίσης, παρουσιαστεί στο Centre Pompidou στο Παρίσι, στο κέντρο τεχνών The Walker Art Center Minneapolis, στην Punta della Dogana-Palazzo Grassi - Βενετία και στο Μουσείο MAXXI Museum της Ρώμης. Ο Alessandro Sciarroni είναι συνεργαζόμενος καλλιτέχνης της CENTQUATRE – Παρίσι και του Triennale Milano Teatro (2022-2024). Την παραγωγή των παραστάσεών του υπογράφει η Marche Teatro σε συνεργασία με επιφανείς τοπικούς και διεθνείς συμπαραγωγούς: Centrale Fies, Comune di Bassano del Grappa – Centro per la Scena Contemporanea, Amat, la Biennale de la danse – Maison de la Danse de Lyon, La Biennale di Venezia, Mercat de les Flors – Graner (Barcelona), Fondation d’entreprise Hermèsin στο πλαίσιο του προγράμματος New Settings και την ένωση corpoceleste_C.C.00# της οποίας είναι καλλιτεχνικός διευθυντής. 

​

Δημιουργία: Alessandro Sciarroni με τους Gianmaria Borzillo & Giovanfrancesco Giannini  

Καλλιτεχνικός συνεργάτης: Giancarlo Stagni  

Μουσική: Aurora Bauzà e Pere Jou (Telemann Rec.)  

Styling: Ettore Lombardi  

Τεχνική διεύθυνση: Valeria Foti  

Τεχνικός περιοδείας: Cosimo Maggini  

Επιμελήτρια, υπεύθυνη προώθησης, σύμβουλος: Lisa Gilardino  

Διοικητική υποστήριξη & εκτελεστική παραγωγός: Chiara Fava  

Επικοινωνία: Pierpaolo Ferlaino 

  

www.alessandrosciarroni.it 

Larsen C: Ένα έργο τέχνης εν κινήσει που εμπνέεται από τη βραδύτητα της τήξης των παγετώνων προκειμένου να μιλήσει για τη σφοδρότητα της ζωής. 
 
«Παγετώνας» ή «παγοκρηπίδα». Αυτή είναι η επιστημονική ονομασία του τεράστιου ακινητοποιημένου όγκου νερού Larsen C, ηλικίας 10.000 ετών, που βρίσκεται στην Ανταρκτική. Ο Larsen C, με έκταση διπλάσια της Ουαλίας, κινείται τόσο αργά, ώστε δεν συλλαμβάνεται από τις ανθρώπινες αισθήσεις. Λες και ο παλμός της κίνησής του απορροφάται από τον χώρο και τον χρόνο. 
Στην ομώνυμη χορογραφία του Χρήστου Παπαδόπουλου, τα ανθρώπινα σώματα συντονίζονται στον ίδιο αέναο ρυθμό, σε μια ονειρική ακολουθία, όπου προοδευτικά φαντάζουν εξίσου απόκοσμα με το πολικό τοπίο. O Χρήστος Παπαδόπουλος γίνεται ξανά παρατηρητής της κίνησης του ελάχιστου που, στην εσωτερικότητα και στην επανάληψή της, παράγει ζωή. Το Larsen C είναι ένα πάρτι-φόρος τιμής στην αθόρυβη μετάβαση των σωμάτων. Είναι «μια μεταφορά» σχολιάζει ο ίδιος ο χορογράφος, «της ζωής που, ακατανίκητη, προχωρά». 

 

Ο Χρήστος Παπαδόπουλος σπούδασε Χορό και Χορογραφία στο SNDO (School for New Dance Development) του Άμστερνταμ, Θέατρο στη Δραματική Σχολή του Εθνικού Θεάτρου, και Πολιτικές Επιστήμες στο Πάντειο Πανεπιστήμιο, Αθήνα. Είναι ιδρυτικό μέλος της ομάδας χορού Λέων και Λύκος. Τα πρώτα του έργα, Opus και Elvedon, έτυχαν μεγάλης αποδοχής όταν παρουσιάστηκαν στο Θέατρο Πόρτα στην Ελλάδα. Το Elvedon ήταν η πρώτη επιλογή του Aerowaves 2016, το οποίο αργότερα παρουσιάστηκε στο Παρίσι, το Άμστερνταμ και άλλες ευρωπαϊκές πόλεις. Το Opus επιλέχθηκε από το Aerowaves 2018 και αμέσως μετά ξεκίνησε τη διεθνή του περιοδεία. Η παράσταση Ion (2018), μια παραγωγή της Στέγης Ωνάση και συμπαραγωγή του Théâtre de la Ville, Παρίσι, και του Le Lieu Unique, Νάντη, συνεχίζει να περιοδεύει με επιτυχία. Το Larsen C (2021), μια διεθνής συμπαραγωγή, έχει ήδη παρουσιαστεί σε περισσότερους από 25 χώρους και φεστιβάλ ανά την Ευρώπη. Το 2023, δημιούργησε το έργο Mellowing για τη διάσημη ομάδα χορού Dance On και, αργότερα, το Mycelium για το Μπαλέτο της Όπερας της Λυών και την Biennale de la Danse Lyon. Τα έργα αυτά περιοδεύουν σε όλο τον κόσμο. Αυτόν τον Ιούνιο δημιουργεί ένα σόλο έργο για τον Γεώργιο Κοτσιφάκη - LAC Lugano Arte e Cultura και μετά, τον Σεπτέμβριο του 2024 ένα νέο έργο για το NDT 1. Τον Μάιο του 2025 θα κάνει πρεμιέρα το νέο του έργο με την ομάδα του, στη Στέγη Ωνάση στην Αθήνα.  

​

Σύλληψη & χορογραφία: Χρήστος Παπαδόπουλος 

Χορεύουν: Γεώργιος Κοτσιφάκης, Σωτηρία Κουτσοπέτρου, Μαρία Μπρέγιαννη, Τάσος Νίκας, Αλέξανδρος Νούσκας-Βαρελάς, Ιωάννα Παρασκευοπούλου 

Μουσική & ηχητική σύνθεση: Γιώργος Πούλιος 

Σκηνικά: Κλειώ Μπομπότη 

Σχεδιασμός φωτισμού: Ελίζα Αλεξανδροπούλου 

Κοστούμια: Άγγελος Μεντής 

Δραματουργία: Αλέξανδρος Μιστριώτης 

Βοηθός χορογράφου: Μάρθα Πασακοπούλου 

Βοηθός σκηνογράφου: Φιλάνθη Μπουγάτσου 

Οργάνωση παραγωγής: Ρένα Ανδρεαδάκη, Ζωή Μούσχη 

Υπεύθυνος φωτισμού περιοδείας: Αλέξανδρος Μαυρίδης 

Τεχνικοί σκηνής και ήχου: Μαριλένα Καλαϊτζαντωνάκη, Αγγελική Βασιλοπούλου Καμπίτση, Στεφανία-Ηλέκτρα Πανταβού 

Οργάνωση περιοδείας: Κωνσταντίνα Παπαδοπούλου 

Παγκόσμια διανομή: KeyPerformance  

 

www.christospapadopoulos.art 

instagram: Christos Papadopoulos (@christos____papadopoulos) 

facebook: Christos Papadopoulos (https://www.facebook.com/christos.papadopoulos.9400)